Dopodomani a Bologna

2° appuntamento con APERIBIMBIMBO’ BY CLUB CAFE’

Perchè l’aperitivo deve essere un momento di relax, non solo per gli adulti, ma anche per i bambini! E lo spazio ideale, protetto e confortevole per i vostri bimbi ce lo mettiamo noi, l’aperitivo Club Caffè!

Ed ecco cosa prevede il menù:
ADULTI:
-          Cremini
-          Olive all’Ascolana
-          Bocconcini spinaci e mozzarella
-          Patate fritte
-          Verdure pastellate
-          Riso basmati al curry
-          Vassoio di spiedoni di pollo
-          Selezione di salumi
-          Cipolle di Tropea all’aceto
-          Filettini di peperone al balsamico di Modena
-          Bocconcini ai cereali con stracchino e rucola
-          Insalata caprese

E PER I PIU’ PICCOLI:
Spiedini di formaggio e mortadella
Patate fritte
Bocconcini di pollo
Pizzette

Da bere:
Aperitivo alla frutta analcolico
Prosecco blanc de noir

Censorship goes strange è il frutto della collaborazione tra Ozne, un’artista che ha elevato l’atto del cancellare a proprio modus operandi, e Yashima Mishto, fotografo erotico con base a Berlino. Due personalità molto diverse ma che dall’autunno 2009 lavorano insieme, recitando rispettivamente i ruoli del censuratore e dell’artista "censurato". Yashima, consapevole della distanza assai breve che separa l’erotismo dalla pornografia, ha quindi affidato le sue foto più scottanti a Ozne al fine di farne nascondere gli eccessi con stickers, pittura e cancellazioni varie.

Da questa singolare collaborazione sono scaturite due serie di lavori che verranno esposte separatamente presso le gallerie La Pillola e CA Gallery.

Censorship goes strange Vol.1 (Galleria La Pillola) mostrerà come le immagini erotiche, dopo essere state censurate, possano divenire più perturbanti di quanto si presume lo fossero in origine, mentre Censorship goes strange Vol.2 (CA Gallery) inscenerà una parodia della censura.

Censorship goes strange Vol. 1

La censura impedisce all’osservatore di venire a contatto con delle immagini sconvenienti, ma non è sempre detto che ciò che essa produce sia meno imbarazzante o urtante. A testimonianza di ciò basta osservare i barbari defacciamenti che Alexander Rodchenko praticò sui ritratti fotografici del suo album Ten Years of Uzbekistan (1934), foto di personaggi invisi al regime staliniano e di cui l’artista ha cancellato volti e nomi con dense pennellate di inchiostro nero. Immagini a dir poco perturbanti che Brian Dillon, parafrasando Valentin Groebner, ha commentato in questi termini: «Violence was shown in and with pictures, but the pictures showed only a terrifying void».

In maniera del tutto simile Ozne cerca di celare il potenziale erotico delle foto di Yashima, e le ricopre a tal punto, con grumosi strati di colore o fitti grovigli di segni, da catapultare le immagini in una poco rassicurante – sebbene suggestiva – dimensione dell’informe. Di corpi e visi cancellati rimangono quindi vestigia di particolari fisionomici, la sagoma originaria o tutt’al più un incolmabile vuoto.

TEATRO DELLE APPARIZIONI
una lettura spettacolare
POP UP - la terza dimensione del libro

un'idea di Fabrizio Pallara e Dario Garofalo
regia e luci Fabrizio Pallara
con Dario Garofalo, Paola Calogero, Valerio Malorni
musica dal vivo Federico Ferrandina
scene Fabrizio Pallara e Sara Ferazzoli
produzione TEATRO DELLE APPARIZIONI
coproduzione AREA 06
con il sostegno di RIALTOSANTAMBROGIO (Roma), ass.cult La luna al guinzaglio (PZ), KILOWATT FESTIVAL (AR), FREEZERO9 (Roma)
con il contributo diGRUPPO MAZZILLI srl, UNIPOSTA RECAPITO, DADAS srl, ARTIGRAFICHE srl

IMPORTANTE: affinché lo spettacolo abbia luogo è necessario che gli spettatori portino un romanzo a loro scelta. Il romanzo potrà essere utilizzato nello spettacolo e sarà in ogni caso restituito integro allo spettatore.

Una platea piena di libri, una scena vuota. Bianca, come una pagina di libro. Spazio che va ancora popolato.

Pagina da scrivere.

Un libro è come un uomo e tutti i libri, come ogni uomo, se interrogati sono capaci di dare risposte. I libri pop up erano utilizzati già dal XIV secolo come libri scientifici d'anatomia: apri una pagina e c'è un cuore dentro.
Ogni lettore, quando legge, legge se stesso. L'opera dello scrittore è una specie di strumento ottico che si offre al lettore per permettergli di far emergere quello che senza libro non potrebbe vedere.

Ogni spettatore è invitato a portare un romanzo da condividere, ovvero a portare un simulacro di sé che mette fisicamente a disposizione degli altri.

Un attore sceglie uno dei romanzi presenti in sala, la terra comune (e di nessuno) che metterà in relazione le due comunità, attori e spettatori, teatro e vita.

Da qui comincia l'emersione: lettura, azione, musica e luci. La lettura scorre e il testo diventa altro.

Tutti, nello stesso tempo e nello stesso spazio, sono lettori del romanzo scelto ma ciascuno vive a suo modo il presente che quella scelta garantisce: i due attori/danzatori che agiscono sul foglio bianco, il musicista che ne magnifica le intuizioni, la regia che ne accende o smorza le immagini e ogni spettatore che monta attivamente il suo personale spettacolo.

Ad ogni rappresentazione un viaggio unico e irripetibile in uno spettacolo interamente affidato all'improvvisazione degli artisti in scena.

La struttura viva del teatro, visibile, leggibile e capace di generare visioni.

"È quando una casa brucia - diceva Kafka - che si vede la struttura che la sorregge".

Pop up è uno spettacolo, una modalità di fare spettacolo, che indaga la possibilità di un rapporto di fiducia tra attori e pubblico.

La fiducia è dunque uno dei due cuori di Pop up.

Si tratta di accettare, di imparare ogni volta ad accettare il salto nel vuoto che costituisce ogni nuovo incontro, nella vita come nell'arte.

E la scelta di quel dato incontro è l'altro cuore di Pop up.

Ogni scelta procura un risultato e ogni risultato ha un valore e quasi sempre un senso che prima o poi si manifesta.

Ecco Pop up, emersione di senso: dallo scambio tra esseri umani scaturisce un mondo, un porto franco, nuovo e inaspettato, dove incontrarsi senza fare a meno di se stessi.

regia di Alessandro Bergonzoni e Riccardo Rodolfi
Un’ideale corda tesa a delimitare gli spazi del monologo da quelli del soliloquio. Un attore-attore che si muove nella ricerca di una precisione contemporaneamente complessa e comicamente dissonante. Uno spazio per sottolineare la reale linea d’ombra di Alessandro Bergonzoni, mai come stavolta, sotto i vostri occhi e per i vostri cervelli.
“Marco, il Territorio, NEL (fare) NEL (mentre) NEL (posto) NEL (momento) NEL (contesto) NEL (pensato) NEL (dire) NEL (guardare): il dentresco una sorta di sorte, questo è il costrutto: costruire il distrutto. L’illimitata delimitazione (bergon-zone) il retroquadro di punti scardinati. NO (negazione del Nord), SU (la parte altra del Sud), ES (essere come abbreviazione di Est), OV’EST (dov’è). Dove è tutto? Li mentre si è la (nella memoria fotografica). Nell’energia enucleare perché  estrarre la forza chiusa costa. Uno spettacolo sulla cauzione per sprigionare le forze. Aprimi cielo.”

di Roberto Andò e Moni Ovadia
da William Shakespeare
regia Roberto Andò e Moni Ovadia
con Moni Ovadia e Shel Shapiro
e con Ruggero Cara, Lee Colbert, Roman Siwulak, Maxim Shamkov, Federica Vincenti
e Moni Ovadia Stage Orchestra

Un luogo imprecisato, a metà tra un ospedale e un mattatoio, in un futuro che è già cominciato. Un enigmatico mercante, del cui patrimonio non si conosce l’origine, e un regista ebreo, da anni inattivo, vi si incontrano per discutere di un progetto che li legherebbe, una messinscena del Mercante di Venezia. In comune hanno un’ossessione, Shylock, uno dei grandi personaggi shakespeariani. Mentre scorrono le visioni e gli esilaranti paradossi del Mercante di Venezia immaginato dal regista con una strana compagnia tragicomica, si delinea una partita sottile e inquietante in cui a essere in gioco è la stessa possibilità di tenere in vita il teatro come baluardo contro l’impostura e l’odio, fragile talismano della più grandiosa invenzione, quella dell’identità

La Casa delle Culture e dei Teatri - Teatro Ridotto
Stagione 2010 Orme sulle rive dell'Ignoto

Teatro Potlach Per Edith Piaf
con Nathalie Menta  regia di Pino di Buduo

Lo spettacolo è un viaggio musicale nella Francia degli anni 30-50  attraverso le canzoni di Edith Piaf.

Storie di vite nate nell’ambiente della malavita francese, storie di donne innamorate,  storie di passioni, di sogni, di ricordi.

E’ il racconto di un’epoca, il 1939, un momento storico di grande fermento in tutta l’Europa. E’ l’epoca delle poesie di Jacques Prévert, delle fotografie di Cartier-Bresson, dei racconti teatrali di Jean Cocteau, dell’arrivo della Seconda Guerra Mondiale che decima tante famiglie, delle musiche dei film di Charlie Chaplin, delle immagini e dei personaggi del film “Roma Citta Aperta” di De Sica, della Resistenza francese, della lotta per la vita, per l’amore.

Il tema dello spettacolo, l’anima che lega le storie, e forse ancora di più l’anima di Edith Piaf sembra essere: “non smettere mai di credere nell’amore qualsiasi cosa succeda”.

Il Teatro Potlach è stato fondato nel 1976 a Fara Sabina (Rieti). Il suo nome è derivato dagli studi antropologici dei fondatori, e significa, nel linguaggio degli indigeni dell'America nord­occidentale, il rito del dono gratuito che conferisce prestigio a chi lo elargisce e a chi lo riceve. La storia del Potlach nasce negli anni dell’avanguardia teatrale romana da una scelta di ricerca e sperimentazione. L’identità artistica del Potlach si è espressa contemporaneamente nella produzione di spettacoli di sala e di spettacoli di strada, e nell’attivazione di iniziative pedagogiche che hanno coinvolto l’insieme delle tecniche espressive e performative, dal clown, alla parata, al teatro musicale, in un continuo scambio di conoscenze con gruppi nazionali ed internazionali,  alla ricerca di un profilo professionale capace di offrire spettacolo ad ogni tipo di pubblico. Dal 1991 il Teatro Potlach realizza il progetto Città invisibili in Europa e in America, che consiste in un lavoro teatrale “fuori dai teatri” che trasforma gli spazi quotidiani attraverso la scoperta dell’identità culturale del luogo e l’elaborazione dell’energia creativa dei suoi abitanti.

di Manlio Santanelli
con Lello Arena e Sebastiano Tringali
regia Giancarlo Sammartano

Si ha da sapere che ho trascorso la mia infanzia in una angusta magione di un ancor più angusto edificio del centro storico di Napoli… Qualche crepa di troppo – ahinoi, gli indesiderati postumi della guerra – una corposa ristrutturazione in perfetto stile bunker e finalmente il coraggio di uscire da quell’incubo. Non va sempre così. Lello Arena e Sebastiano Tringali nell’occasione son quelli che passano tutta la loro vita tra le stesse quattro mura. Quelli che avvinghiati ai loro ricordi non percepiscono più il vuoto che li circonda. Quelli che vorrebbero uscire dal guscio ma non ce la fanno. Si inventano strategie di clownesca sopravvivenza, cercano una via d’uscita. Vivono una situazione di emergenza ma non spingono il maniglione antipanico. Pronti ad emigrare non oltrepassano mai il confine. Indietreggiano. «Ogni spettatore – suggerisce Santanelli – sarà libero di ritrovare nella commedia quegli umori che gli sono più congeniali, beninteso anche contro le intenzioni dello stesso autore».

di Henry James
regia di Matjaz Berger

traduzione Rastko Mocnik
con Jana Zupancic, Borut Veselko, Branko Jordan, Jadranka Tomazic, Janez Starina, Dragica Potocnjak, Akira Hasegawa, Uros Potocnik, Ana Ruter, Ana Urbanc, Peter Harl, Nana Milcinski, Irena Yebuah Tiran, Leticia Yebuah Slapnik
tenore Rok Zidaric
basso Robert Yebuah
voce femminile di Henry James Nada Vodusek
voce maschile di Henry James Jure Longyka
drammaturgia Nana Milcinski
scenografia Matjaz Berger
costumi Alan Hranitelj
prodotto da Anton Podbevsek Teatre in collaborazione con Teatri di Vita

prima nazionale

In un'inedita rielaborazione sperimentale di Matjaz Berger, lo spettacolo Portret nege gospe (Ritratto di signora) giunge a Teatri di Vita direttamente dalla Slovenia, fucina del nuovo teatro mitteleuropeo.
Primo grande capolavoro di Henry James, Ritratto di signora è messo in scena dall'Anton Podbevsek Teatre di Novo Mesto, dallo stesso regista che già nel 2006 aveva presentato Il nome della Rosa al pubblico di Teatri di Vita.
In una fusione unica tra i temi del tradizionale romanzo e un sapore tutto contemporaneo, lo spettacolo presenta una scenografia coinvolgente e attiva, che enfatizza il dinamismo interiore dei personaggi stessi, con la ricchezza linguistica articolata e allusiva del romanzo di James. In scena la storia di formazione della giovane e bella Isabel Archer, piena di fervida immaginazione e di desiderio di indipendenza, trascinata nel gorgo di amori e relazioni, trovandosi così incastrata in modelli sociali e culturali che le stanno troppo stretti.
Berger allestisce così una sorprendente versione di Ritratto di signora, celebre anche per la precedente trasposizione cinematografica di Jane Campion con l'interpretazione di Nicole Kidman. Un romanzo del XIX secolo tradotto con i linguaggi del nuovo teatro del XXI secolo.